【身体的释放】

安东尼·葛姆雷因其探究人体与空间关系的雕塑、装置和公共艺术品而广受好评。自1960年以来，安东尼·葛姆雷不断地探究人与自然以及宇宙之间的关系，从而批判性地分析自我的身体与他人的身体。由此，他的作品不断挖掘了雕塑内部的潜能。一直以来，葛姆雷不断尝试将艺术作为一个创造新事物的地方，以此发掘艺术的空间。而这个空间里会出现新的行为、思想和感觉。

葛姆雷的第一个展览在著名的白教堂画廊（Whitechaple Gallery）举办，其他作品也多次在具有极高声誉的艺术机构上展出，比如威尼斯双年展、悉尼双年展、卡塞尔文献展、泰特美术馆、黑沃德画廊（Hayward Gallery） 等。他的创作主要以雕塑为媒介，强烈地与身体的感知和记忆相连。他的雕塑作品不栖于传统的、特定的历史和文化背景之中，也不对历史的发展进程和西方文化话语上的强势过度地遵从。他的雕塑实践释放了一种爆炸性的、物质感的对非理想化人体形态创造的尝试。安东尼·葛姆雷通过营造一种精神上和空间上的悬停，创造出了一种开放的力量去挑战观看者的视角与角色。他自己将这种开放称为“身体的黑暗”。这种黑暗不是指邪恶的含义，而是身体对于空间结构的一种有巨大想象空间的理解。葛姆雷作品材料、物质的维度表现出了他对于世界元素间永恒变化和无尽循环的关注。他最具代表性的人形雕塑都是以他自己的身体作为模板，之后的尝试更多地反映出他对个体与集体的环境、个体空间与公共空间的探索。

【互动的空间】

互动性、参与性等当代艺术语境下的热门话题在安东尼·葛姆雷的作品中都有所体现。
葛姆雷这样解释他的创意：“很简单，通过将参与者放到柱基上，每个个人变成了一个比喻、象征。在特拉法加广场这一具有军事、男性英雄象征的背景下，将人们的日常生活与其并置，提高到与纪念碑性的雕塑一样的位置上，允许我们看到个体的多样性、脆弱性、个性在当代社会中的反映。而且参与者会做出各种不可预测的行为，这个作品可以是悲伤的也可以是滑稽的。”

葛姆雷的雕塑跳脱平台的一个很大特点是它们的“理科特质”，不同于很多感性的艺术家，安东尼·葛姆雷更多关心的是社会中个体的生存和存在状态，而不是一味的个人情感与情绪的释放。他以一种脱离传统媒介的方式来探索了个体和公共环境的密切关系，这使得他的艺术实践格外的不同寻常，更像是一位另外之处的来者。其实他的作品里，雕塑只是一小部分看得见的地面建筑，弥漫在其间的气氛与思考、与社会反应互动频繁的行为，才是雕塑之下庞大的根系。这种扎实、理性、数据化的特征正是安东尼·葛姆雷区别于他人之处。